应该是近年比较重要的展览，谈谈这个展览的新作，是什么时期的作品？ 这次展览是继2012年白盒子展出《蓝》系列之后的最新个展。展出作品主要是2011年底一直到2013年创作的《婴儿》系列和2014年创作的《2014》系列，此外还有一些从2012年开始做的木雕作品。

　　从“表情”到“面孔”到“蓝”，再到新作“婴儿”，可以简单谈谈创作的变化历程吗？

　　我2010年以前的作品比较情绪化，包括笔触和色彩，那时候我追求画面的绘画性或者说书写感。之后发现所谓的绘画性其实是靠不住的，情绪是很飘渺的东西，我们不能用情绪去生存，理性才是最重要的。画了几年变得非常熟练，熟练之后就会困惑，觉得没意思，我就去寻找解决的途径，当时是想能不能从相反的方向出发把情绪降到最低(接近于0)，尽量用最简单的颜色，最简单的画面，最简单的方式很克制地去画一个东西，所以后来画了《蓝》系列。当画到一定程度之后又面对一个新的困惑，我不知道要画什么，每天就乱涂鸦画了很多小稿，在这个过程中找到一种新的方法画了《婴儿》系列。另外，题材上的变化跟我生活有关系。以前的作品背景比较空，很抽象，现在是在场景上找变化(比如《2014》就是在一个比较窄的空间、角落里人的身体)体现自己对生活的体验感受。现在信息等各方面很发达，人的生存也面对各种各样的问题。对我来说，一个窄的空间或者一个角落是我体会到的人生存的内在空间。其实往往想躲但是无处可躲，被逼在一个很狭小的空间里努力挣扎着生存。

　　作品跟世界的关系是怎样的？

　　我不是直接具体地去表现社会或者一个人的状态，因为艺术终归还是很抽象的，一些东西是看不见的，我们总会试图用一种方法或者一个画面去触及看不见的东西。我的绘画实际上要表达的正是我们无法具体去触及的东西，更多需要抽离出艺术跟社会背景的关系。并不是说发生地震我就画地震，河流污染了就去画河流污水这样肤浅的东西。对我来说是画一种情绪，能让你感受到人生存的压力、困惑，但这种困惑不是某个具体的事情。总之，作品是从生存的大背景中提出的问题必然跟这个世界有关系。

　　现在艺术创作的媒介越来越多，感觉绘画越来越难。

　　是。举个很简单的例子，每个人都会做饭，不管是普通人还是五星级大饭店的厨师。在面对差不多的食材的时候，为什么有些人做出来的东西很好吃，而有些人做出来就很难吃，这其实是有差距的。 画画也一样，颜料、画布、画笔一样都是在市场上买的，只不过有人买进口有人买国产的。那为什么他画出来就是大师的作品，为什么你画出来就是一张烂画甚至可以说垃圾呢？画画的难度就在这个地方，没有统一的标准。对我来说，画画是一件具体的事情，什么是当代、前卫都不重要，我只想做一个画家，好好地去画画，画出跟生命有关、有温度的作品。

　　新作“婴儿”有“重生”之意？还是？这种视觉表达的变化，跟自己的心理感知有关吗？

　　《婴儿》系列并不只是给婴儿画肖像。作为题材的一个选择，其实是自己有了孩子，每天看着一个生命从出生到慢慢地成长，你发现很多问题是很具体的，自己对生命有了更深刻具体的认识，再不像以前的一种形而上的抽象的情绪，现在是这种形而上的抽象变得具体化。所以这两年的创作也跟以前不一样，更具体地画一个肖像或场景了。

　　展览介绍里有说到你的作品“一直是一个人”，为什么是这样的？“独角戏”是不是一种很孤独的状态？

　　去年我父亲突然去世，我们多年没生活在一起，因为我常年在外，父母退休在家，每年也就见一到两次。当时和弟弟开车送父亲(遗体)回故乡，在路上我就想父亲的一生：从小离开家到不同的城市打拼，漂泊几十年之后还是我们晚辈将他送回老家。我就想人这一辈子到底是什么？人生的戏剧到底是怎样？演出结束还是孤零零的一个回去。做这个展览时就想到这个词“独角戏”：一个人要扮演各种角色的特别孤独的戏。后来我查询各类咨讯才知道原来《独角戏》是上海20年代的民间戏曲，由一或两个演员扮演各种角色。我喜欢“独角戏”这三个字，有一种苍凉的孤独和荒诞感，我觉得和我的作品有很多契合的地方。